第10章は「第二次世界大戦後と20世紀後半」をテーマとしており、舞台美術が戦後の復興期から20世紀末にかけてどのように発展していったかを解説している。この章では、、、そしてデジタル技術の導入という三つの主要な側面から、舞台美術の変遷が描かれている。
技術革新： 第二次世界大戦後、劇場は復興期を迎え、舞台技術においても大きな進歩が見られた。
舞台機械の近代化: 電力や油圧を動力とする舞台機械が導入され、より迅速で複雑な舞台転換が可能になった。これにより、場面が目まぐるしく変わるような演出や、舞台全体の構造をダイナミックに変化させるデザインが実現した。
照明技術の進化: ハロゲンランプやフレネルレンズといった新しい光源が登場し、舞台照明の質と柔軟性が向上した。レーザー照明といった革新的な技術も一部で導入され、新たな視覚効果を生み出した。
音響システムの発展: 音響技術も進化し、より効果的な音響デザインが舞台表現に取り入れられるようになった。
コンピューター支援設計（CAD）の導入: 20世紀後半には、コンピューター技術が舞台美術のデザインプロセスに導入され始めた。CADを使用することで、より精密な図面作成や、3Dモデルによる視覚化が可能になり、デザインの効率性と表現力が向上した。
新たな舞台美術家の登場と多様な表現： 戦後、多くの革新的な舞台美術家が登場し、多様な表現を追求した。
ヨセフ・スヴォボダ（Josef Svoboda）: チェコの舞台美術家スヴォボダは、可動式のプラットフォームや多層的な舞台、そして映像やレーザーを効果的に用いたダイナミックな舞台デザインで国際的に高い評価を得た。彼のデザインは、視覚的な詩とも称され、観客に強烈な印象を与えた。
イェジー・グロトフスキ（Jerzy Grotowski）とタデウシュ・カントール（Tadeusz Kantor）: ポーランドの演劇運動において重要な役割を果たしたグロトフスキは、俳優の身体と精神を重視した「貧しい劇場」を提唱し、舞台美術を極限までシンプルにした。一方、カントールは、オブジェや人形を多用した独特の舞台表現を展開した。
アメリカのニューステージクラフトの発展: アメリカでは、ヨーロッパのモダニズム演劇の影響を受けつつ、ロバート・エドモンド・ジョーンズらの世代に続く舞台美術家たちが、より抽象的で象徴的なデザインを追求した。ミン・チョー・リー（Ming Cho Lee） は、空間そのものの表現力を重視し、シンプルながらも力強い舞台を創造した。
女性舞台美術家の活躍: パメラ・ハワード（Pamela Howard） や マリア・ビョルンソン（Maria Bjørnson）、アドリアンヌ・ロベル（Adrienne Lobel） など、多くの女性舞台美術家が国際的に活躍し、それぞれの個性的なスタイルで舞台表現に貢献した。
パフォーマンスアートとの融合: 20世紀後半には、舞台美術は演劇の枠を超え、パフォーマンスアートの領域にも影響を与えた。ロバート・ウィルソン（Robert Wilson） のようなアーティストは、時間、空間、光を独自に構成し、視覚的に強烈な舞台作品を制作した。
デジタル技術の導入： 20世紀末になると、コンピューター技術は舞台美術のデザインだけでなく、舞台そのものの表現にも影響を与えるようになった。
映像技術の活用: プロジェクション技術が進化し、舞台背景としてだけでなく、俳優の動きと連動した映像や、抽象的なイメージを投影することで、より複雑で多層的な舞台空間が創り出された。
インタラクティブなデザイン: デジタル技術を活用した、観客や俳優の動きに反応するインタラクティブな舞台デザインも一部で試みられるようになった。
このように第10章.は、第二次世界大戦後の舞台美術が、技術革新を背景に、多様な表現を追求する舞台美術家たちの登場によって大きく発展し、20世紀末にはデジタル技術の導入という新たな局面を迎えたことを示している。舞台美術は、単なる背景から、演劇全体の意味を形成し、観客の体験を豊かにするための不可欠な要素として、その重要性を増していったと言える。